Scultura

Brigitte Cabell

Qualunque cosa sogni d’intraprendere, cominciala. L’audacia ha del genio, del potere, della magia.  E l’inizio conosce sempre una dose di audacia e la pietra scolpita da Brigitte Cabell, lo sa.

Osservando le sculture di Brigitte Cabell, abbiamo l’impressione che l’artista abbia non creato un’opera grazie alla materia, ma che di quest’ultima ne abbia rivelato la più intima essenza. Brigitte Cabell è, senza dubbio, colei che ha dato voce alla pietra, plasmando la sua forma primordiale.

Brigitte Cabell, artista tedesca nata in Germania presso Berlino, ha lo studio nella Reismühle – Monaco di Baviera, è vissuta per molto tempo a Firenze. Ha studiato medicina in Germania e ha lavorato come cardiologa fino sei anni fa in clinica, parallelamente alla clinica gli ultimi 14 anni ha frequentato diverse accademie in Germania, Austria, Italia, concentrandosi sullo studio di pittura e scultura; quest’ultima si è rivelata più affine al suo animo.

Embrace

2019

38 x 12 x 31 cm

Serpentino

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Nike

2020

39 x 20 x 26 cm

Serpentino dello Zimbabwe

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Untitled

2021

38 x 34 x24 cm

Pietra serpentina marrone dello Zimbabwe

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Untitled

2019

34 x 38 x 21 cm

Serpentino limone

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Carlo Pazzaglia

Carlo Pazzaglia, attraverso le sue opere, concentra tutta l’attenzione sull’uomo in un antropometria eccellente dove lo scultore con il suo lavoro, di faticosa creazione, analizza i sentimenti umani, le esperienze di vita più significative dell’essere umano e le fissa per sempre nella scultura. La forma qui racconta il mondo dell’uomo e attraverso l’uomo, si fa espressione dei i momenti più luminosi ma anche di quelli più cupi che tutti noi, nel corso della vita dobbiamo affrontare; la scultura diviene forma universale dell’animo umano e ci costringe a guardarci riflessi in uno specchio interiore.

Le sue opere sono emblematiche di questa volontà di narrare e riflettere utilizzando un linguaggio formale, primitivo, dal sapore Giacomettiano, in cui i corpi sono stilizzati e perdono ogni connotazione personale concentrando in essi l’essenziale.

Gioia, dolore, sensualità, maternità, ipocrisia, egoismo e molte altre emozioni. La commedia umana si materializza sotto forma di scultura: sta a noi scoprire in quale delle sue figure si rispecchia meglio il nostro animo.

Gli Scacchi

2017

40 x 57 x 57 cm

Ferro e legno

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Lotta Impari

2019

25 x 53 x 15 cm

Ferro e legno

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Natura Morta

2015

13 x 55 x 37 cm

Ferro e legno

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Cecilia Martin Birsa

Cecilia Martin Birsa dichiara di non poter vivere che d’Arte “senza potrei solo sopravvivere”.
Ed è proprio questa urgenza irrinunciabile, quanto il respirare, che emerge nelle sue sculture. Esse sono realizzate con un medium inusuale, la pietra di fiume, che ci stupisce per la sua semplicità e per le forme che Cecilia riesce, non senza fatica, a liberare da esso: la pietra di fiume con tutta la sua atavica imprevedibilità ci “parla di magma, abissi, ghiaccio e terra”. 

Pietre come la mucronite, il granito o il serpentino richiedono un vero e proprio atto di maieutica per liberare quelle forme che attendono in un dormiveglia, durato secoli, forse anche millenni, di essere risvegliate.

A questa straordinaria capacità di dialogare con la materia, di trarne con forza le forme in essa inespresse, si coniuga una sensibilità tutta femminile. Ma non ingannatevi: qui il femminile pulsa atavico, pulsa in tutta la sua forza e purezza e ci ricorda che anche la natura è donna, così come lo è il termine scultura. Sarà semplice casualità? osservando le opere di Cecilia Martin Birsa sembrerebbe piuttosto una rivelazione!

Angelo di Fuoco

2020

18 x 20 x 8 cm

Quarzo rosso

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Colomba

2019

19 x 28 x 11 cm

Quarzo

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Cristo

2019

24 x 16 x 22 cm

Quarzite

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Vipera Berus

2020

29 x 28 x 9 cm

Peridotite

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Isabelle de Montvalon

Isabelle de Montvalon intraprende la sua carriera artistica con la pittura in un laboratorio di Marsiglia.
Vivendo da molti anni a Milano, a poi frequentato lo studio dello scultore Salvo Cansone e ha preso lezioni di disegno da modelli dal vivo presso l’Accademia di Belle Arti di Brera.

Con alle spalle molte esposizioni in Francia ed Italia, oggi continua il suo viaggio alla ricerca dell’autenticità e della profondità.

Ha scelto l’espressione figurativa per raccontare momenti di vita o interrogativi personali sull’esistenza: scolpisce donne, uomini, bambini, sognatrici, sonnecchianti, dispettose, impastate nella terra, colate in bronzo, a volte specchianti, riposanti, giocanti ritrovandosi in una sfera di plexiglass che porta un tocco di modernità ad una fattura classica.

Ambre

2015

30 x 20 x 15 cm

Bronzo

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Contemplation

2014

43 x 38 x 21 cm

Bronzo

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Les Ailes de la Liberté

2015

47 x 33 x 25 cm

Bronzo

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Vive la Vie

2016

36 x 36 x 20 cm

Bronzo e plexiglass

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Mieke Van den Hoogen

Plasmare l’argilla. Quale atto potrebbe racchiudere in se tutta l’odissea della storia dell’uomo meglio di questo?
Mieke Van den Hoogen fa riaffiorare il significato profondo dell’atto demiurgico dell’artista che plasma un microcosmo fatto di emozioni e forme.

L’utilizzo di un materiale “povero” come la creta è senz’altro programmatica: si tratta di un materiale non nobile, utilizzato in ambito domestico e rielaborato quasi esclusivamente da mani femminili per le necessità di ogni giorno.

La sua ricerca non si discosta dallo studio attento ed esperto di tecniche arcaiche per la cottura delle forme plasmate, la colorazione con pigmenti naturali segue le stesse regole che da millenni hanno caratterizzato la creazione di vasellame per uso domestico in civiltà soprattutto indiane e africane.

Importante è il messaggio che queste opere lasciano trapelare con tutta la loro charme. E se ogni opera d’arte è un artefatto, lo è nel suo senso più vero e completo nelle opere di Mieke Van den Hoogen in cui i realizza attivamente il concetto di Arte-Facere.

Fare l’arte, crearla, plasmandola con le proprie mani, darvi forma e animarla di un messaggio che possa convogliare in sé tutti i valori dell’opera dell’artista: questa è la magia di Mieke Van den Hoogen.

Body

2022

58 x 35 x 10 cm

Ceramica, smalto d’oro rosso, pigmenti ceramici rossi e smalto trasparente

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Body

2022

55 x 32 x 10 cm

Ceramica, pigmento nero, smalto d’oro rosso e smalto d’oro 24 carati

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Double Face

2022

50 x 25 x 8 cm

Ceramica su plexiglass con pigmenti e smalto trasparente

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Face

2022

50 x 25 x 8 cm

Ceramica su plexiglass con pigmenti e smalto trasparente

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Pantaleo Cretì

Pantaleo Cretì, è uno scultore dalla voce provocatoria e dal tratto intensissimo. Dopo aver dichiarato l’Arte Morta in una delle sue ultime opere, l’artista ci accompagna alla scoperta di quelli che sono i relitti (e che relitti!) che l’arte ha lasciato dietro di sè dopo la sua dipartita. Nel mondo contemporaneo l’arte sopravvisuta alla sua stessa morte, ha dalle forme a volte bizzarre, sicuramente mai banalizzate, spesso frammentate, in cui la materia stessa diventa oggetto di riflessione. 

Questo grande capacità di essere intensamente immerso nella propria epoca lo rende, al contempo, in grado di riassumerne l’essenza del nostro vissuto quotidiano nella propria scultura. Nascono così opere emblematiche e personaggi simbolo di instancabile analisi e ricerca della propria epoca, che non rinunciano a combattere contro le contraddizioni insite in essa anche se significa lottare contro i mulini a vento, come Don Quisciotte, tra i suoi personaggi simbolo.

La fervida creatività di Cretì, il suo occhio artistico, capace di andare al di là del contingente, anche in questi mesi complicati e assolutamente eccezionali ha plasmato una nuova scultura. Covid-19, è una scultura che racchiude in sé un condensato di emozioni contrastanti e che già si assurge a simbolo di quest’epoca, che siamo, nostro malgrado costretti a fronteggiare, e quindi comprendere e analizzare. Quale strumento di riflessione migliore dell’arte?

Coppia con rondini

2019

89 x 20 x 35 cm

Bronzo

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Covid 19

2020

52 x 105 x 32 cm

Bronzo, legno, pasta di legno e acrilico

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Vescovo

2018

95 x 16 x 16 cm

Bronzo

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Volto

2019

35 x 35 x 20 cm

Bronzo

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Rossana Corrado

Le opere di Rossana Corrado valorizzano la bellezza, l’armonia e l’espressività del corpo umano, riflettendo il desiderio dell’essere umano di andare oltre i suoi limiti sia fisici che metafisici attraverso la conquista dello spazio circostante, anelando a raggiungere un equilibrio tra la dimensione materiale e quella spirituale.

Questa armonia si manifesta nel movimento delle figure che crea un legame tra i desideri del corpo e quelli dell’anima. Le figure assumono nuove forme, si assottigliano, si dividono, si aprono spingendosi disperatamente verso l’alto, verso il cielo, il divino facendo si che l’anima trasformi la materia, innalzandola verso uno stato sublime.

Rossana Corrado attualmente lavora tra l’Italia e l’Egitto. Dal 1992 ad oggi ha partecipato a mostre personali e collettive oltre che ad eventi internazionali e progetti artistici.

 

Autochton

2008

54 x 9 x 8,5 cm

Bronzo

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Sight Beyond

2010

60 x 18 x 18 cm

Bronzo

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Subliming 1.5

2007

34,5 x 17,5 x 21,5 cm

Bronzo

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Thoughts of Light

2009

51,3 x 16 x 24 cm

Bronzo

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