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La recherche de Vova Design se déploie dans un territoire de seuil, un espace conceptuel où l’art et le design cessent d’être des domaines distincts pour devenir des pratiques interdépendantes. Ici, le projet ne répond pas à une fonction prédéterminée, mais s’ouvre à une réflexion plus large sur le sens de la matière, le temps du geste et la possibilité de transformation.
Chaque œuvre naît d’un acte de questionnement : que reste-t-il lorsque la fonction est soustraite ? Quelle nouvelle identité peut émerger de ce qui a été consommé, rejeté ou rendu invisible ?
Le travail de Vova Design repose sur une conception du processus plutôt que sur le résultat. La forme n’est jamais immédiate ni définitive, mais construite à travers des stratifications successives, des écarts minimes et des répétitions contrôlées. La matière conserve toujours la mémoire de son devenir : le geste n’est pas dissimulé, la surface n’est pas apaisée. Au contraire, l’imperfection devient langage, signe tangible d’un temps qui agit et laisse des traces.
Les œuvres de Vova Design ne recherchent pas la perfection formelle, mais une cohérence profonde entre matière, geste et signification. Chaque choix est mesuré, chaque déviation est intentionnelle.
La couleur et la forme acquièrent une valeur conceptuelle avant même d’être visuelle. Le bleu, le blanc et le rouge ne fonctionnent pas comme des codes symboliques fermés, mais comme des états perceptifs, des champs d’expérience. La couleur enveloppe, suspend, comprime ; parfois elle se retire, laissant place au silence et à l’attente. De la même manière, la forme ne représente pas, mais suggère : des organismes en croissance, des structures en tension, des surfaces traversées par des forces internes.
La recherche de Vova Design s’inscrit ainsi dans une dimension profondément contemporaine, où l’œuvre n’offre pas de réponses, mais des conditions d’écoute. Chaque travail invite à ralentir le regard, à demeurer dans le processus, à reconnaître dans la transformation non pas une perte, mais une possibilité. Art et design s’entrelacent dans un langage essentiel et rigoureux, capable de générer du sens à travers la matière et le temps.
Dans White Air Coral 2.0, la forme se déploie à partir d’un vide central qui n’est pas comblé, mais affirmé. Le blanc annule la couleur pour laisser émerger la structure, rendant visible le processus plus que le résultat. Les ramifications irrégulières évoquent une croissance organique, fragile et résiliente, dans laquelle la matière conserve la mémoire de ses propres fractures. L’œuvre ne représente pas la nature : elle en adopte la méthode, fondée sur l’adaptation, l’expansion et la transformation continue.
Avec Blue K Line of Choice, la couleur devient protagoniste absolue. Le bleu saturé transforme la surface en un espace mental, immersif, dépourvu de hiérarchies visuelles. La répétition suggère l’ordre, mais chaque incision introduit une déviation, un choix silencieux. La décision n’est pas un événement isolé, mais une condition permanente : une multiplicité de parcours qui coexistent sans converger vers une direction unique.
Dans Red Spike, la matière se charge d’une tension plus directe et physique. Le rouge n’est pas un symbole, mais une énergie comprimée, une impulsion, une pression. Les surfaces incisées convergent et se repoussent, générant une dynamique visuelle qui évoque le battement, l’urgence et la force vitale. Ici, la transformation n’est pas méditative, mais nécessaire : un acte qui émerge du conflit entre densité et mouvement. Red Spike ne recherche pas l’équilibre, elle le met en crise.
À travers ces œuvres émerge une poétique cohérente fondée sur la répétition, la variation et la mémoire du geste. Le module n’est jamais sériel au sens mécanique, mais traversé par des imperfections qui le rendent vivant. Le geste demeure visible, maîtrisé, jamais décoratif. La couleur, lorsqu’elle est présente, n’explique pas mais enveloppe ; lorsqu’elle se retire, elle laisse place au silence et à la possibilité.
Les œuvres de Vova Design ne demandent pas une lecture univoque, mais une traversée lente et consciente. Ce sont des espaces relationnels où matière, forme et couleur deviennent des outils pour réfléchir au changement, au choix et à la capacité de régénération. Chaque œuvre n’est pas un point d’arrivée, mais une étape d’un processus ouvert, dans lequel art et design s’entrelacent pour donner forme à de nouvelles possibilités de sens.
Elisa Larese Moro, Historienne de l’art